« Prune Nourry est plus qu'une grande artiste. Elle est également psychologue, sociologue et anthropologue, puisant dans sa compréhension de l'Histoire et de l'humanité pour créer de l'art qui nous relie à notre passé et les uns aux autres. » George Lucas
L'artiste soulève des questions éthiques liées à la notion d'équilibre au sens large : le corps et son processus de guérison, le déséquilibre démographique dû à la sélection du genre et les dérives scientifiques, les écosystèmes et l'interdépendance entre les espèces vivantes. Les oeuvres qu'elle produit associent sculpture, installation, performance et font souvent l'objet de rituels, parfois d'enfouissement ou de disparition, qu'elle documente avec des photographies et des vidéos. Ses projets, internationaux, découlent de rencontres avec des spécialistes, généticiens, sociologues, anthropologues ou archéologues, qui, comme l'artiste, sont souvent « guidés » par la sérendipité, ou l'art de faire une découverte par hasard lors de recherches sur un autre sujet.
La terre, sa matière de prédilection, est au coeur de la pratique de Prune Nourry, son point d'ancrage. Elle collabore avec de nombreux artisans qui lui permettent d'explorer d'autres matériaux et de nouvelles techniques. En Chine, par exemple, elle crée une « armée de filles » en terre cuite avec des artisans locaux, les Terracotta Daughters, inspirée des guerriers de Xi'an. Véritable colonne vertébrale de son travail sur près de 20 ans, elle est exposée autour du monde entre 2013 et 2015, de Shanghai à Paris en passant par Zurich, New York et Mexico, avant d'être ensevelie en Chine dans un lieu qui sera tenu secret jusqu'à son excavation en 2030.
Elle construit fin 2022 au Château La Coste une sculpture architecture troglodytique, une femme enceinte allongée sur le dos émergeant du paysage, Mater Earth, qui a nécessité la participation de 80 personnes issues de 14 corps de métiers différents. Cette installation pérenne, dont les fondations sont en pierres et la structure en briques de terre crue et cuite, porte en elle tous les thèmes chers à l'artiste : les mythes de création, la Terre, la fertilité et ses rites.
Début 2025, à la galerie Templon, Paris, l'exposition Vénus est pensée en lien avec son oeuvre monumentale Les Vénus dionysiennes pour le Grand Paris Express dans la gare Saint-Denis-Pleyel, créée en tandem avec l'architecte Kengo Kuma. Elle réunit des portraits de huit femmes sous forme de Vénus en bronze ou en terre cuite.
Les J.O vus par Raymond Depardon : des photographiques devenues cultes des Jeux Olympiques de Tokyo, Mexico, Montréal et Moscou.
Des J.O. de Tokyo en 1964 à ceux de Moscou en 1980, Raymond Depardon apprend que, pour saisir un événement, il faut le devancer. Ainsi parvint-il à immortaliser la naissance du « Fosbury Flop », à capter la grâce des gymnastes. Mais aussi le poing levé des athlètes noirs américains à Mexico en 1968 et la prise d'otages de la délégation israélienne à Munich en 1972. Le stade et l'Histoire.
Raymond Depardon est photographe et réalisateur. Il est considéré comme l'un des maîtres du film documentaire et son oeuvre photographique est mondialement saluée.
Art book regroupant les meilleures images d'un maître de l'illustration contemporaine, autour de l'imaginaire américain et de ses variations.
L'imaginaire de Miles Hyman est empreint de représentations sensibles et uniques des États-Unis, pays qui n'a cessé de mobiliser en lui des images, de Edward Hopper à Norman Rockwell. Certaines de ses oeuvres semblent sorties des romans de Kerouac ou de Faulkner. Dans ce recueil d'une soixantaine d'images, dont nombre d'inédites, l'artiste livre un aperçu intime de ce territoire indissociable de son identité. Ses oeuvres créent une rêverie particulière, une invitation au voyage, une découverte de ses Amériques. Il témoigne de la pluralité de ses techniques : acrylique, encre, gouache, fusain, graphite, crayons de couleurs. Grande diversité dans les sujets abordés, en lien avec les USA, mais pas seulement, aussi le Canada-Québec et l'Amérique Centrale et du Sud. En contrepoint des images, François Busnel délivre un texte brillant, un portrait de ses Amériques, dont il est l'un des meilleurs connaisseurs des mythes littéraires et artistiques.
Catalogue d'oeuvres récentes et anciennes d'un pionnier de l'art vidéo contemporain. Ses burlesques théâtres optiques questionnent le monde.
Ce catalogue de créations anciennes et plus récentes dévoile différentes facettes du travail de l'artiste, les liens qu'il entretient avec la magie du cinéma, l'art et son histoire. Ses installations vidéos et ses théâtres optiques l'importance du récit à travers la narration et la gestuelle : perdre ses clés et être gagné par l'angoisse, créer une machine à lire les rêves, tenter de tenir debout sur une savonnette, vivre dans une maison de poupée ou marcher sur la lune ! Autant de sujets que Pierrick Sorin explore sans hiérarchie, avec autodérision et humour.
La magie des images atteste du goût de l'artiste pour la poésie de l'illusion, dans l'héritage des films de Georges Méliès. Par les actions des personnages, qu'ils dansent, chantent ou jouent de la musique, le processus de construction des images se révèle et leur validité est interrogée avec une douce ironie. Ses personnages s'affichent souvent en anti-héros un peu décalés. Le burlesque et l'absurdité portent une réflexion philosophique sur le sens de la vie.
Les personnages de Pierrick Sorin révèlent aussi un portrait en creux de la figure de l'artiste. Face à la complexité du monde, il est celui qui bifurque, qui interroge les fondements d'une démarche artistique autant que l'inscription de celle-ci dans l'environnement contemporain ou historique.
A key monastic site, Fontevraud impresses the visitor with its size : imposing site, complex architecture and lively history. From the médieval kitchens to the recumbent Kings of England, from the Bourbons to the daughters of Louis XV, from the decor ordered by a long line of Abbesses to the traces left by prisoners, history lovers will be overwhelmed by their visit. Now a cultural meeting centre and an ambassador of the classified "Loire Valley World Héritage Site", Fontevraud Abbey continues today as a cultural and tourist centre open to both contemporary création and reflection.
Claire Giraud-Labalte, art historian, is a lecturer atthe Catholic University of Western France. In addition to her research work, she also gives guidance in appreciating the heritage that surrounds us.
A photographer of héritage sites, Patrice Giraud specializes in the capture of architectural sights and works of art.
Suivant la philosophie même du musée du quai Branly, connu également sous le nom de musée des Arts Premiers, à savoir "là où dialoguent les cultures", l'ouvrage se veut un miroir de l'échange incessant qui existe entre l'espace végétal extraordinairement foisonnant conçu par Gilles Clément, l'architecture particulière du bâtiment et le plateau des collections. En effet, l'architecte et le jardinier ont composé le jardin et le musée de telle sorte que l'un soit le prolongement de l'autre, dans un même rapport spatial. Plus original, les grandes expositions qui ont jalonné l'histoire du musée ("D'un regard l'autre", "Dogon", "Tarzan", "Les Maîtres du désordre".) seront également présentées.
Les 3 chapitres permettent de traverser le musée dans toutes ses dimensions et d'évoquer tous les aspects qui en font l'unicité et la popularité en évitant de morceler ce qui est conçu, à la manière d'une toile universelle, comme un monde.
11 mars 2011. Suite au séisme qui secoue la côte pacifique du Tohoku, des vagues hautes de 30 mètres par endroit ravagent jusqu'à 10 kilomètres à l'intérieur des terres japonaises. Drame humain et psychologique, plus de 18 000 morts et disparus sont comptabilisés. Drame écologique aussi car le tsunami a été à l'origine de l'explosion partielle de la centrale nucléaire Fukushima Daiichi. Une catastrophe à la portée mondiale, très présente encore dans les esprits.
Accompagné par la musique de son compteur Geiger, Kosuke Okahara a arpenté ces espaces empoisonnés, ces maisons détruites, ces rues désertées et a photographié la désolation et le silence. Ses images nous permettent, par petites touches, d'entrer dans un monde peuplés de fantômes et d'appréhender une réalité acide qui a perdu ses couleurs. Pourtant, la vie reprend ses droits : la végétation recouvre les quais de gare, investit les parkings et les cabines téléphoniques. Quant aux habitants, ré-installés derrière les barrières, ils tentent de raccrocher les fragments épars de leur vie d'avant. La région est tout entière contaminée et se pose incessamment la question de l'avenir. Il leur faut imaginer un futur, sans avoir toutes les cartes en mains.
Aujourd'hui basé à Paris, Kosuke Okahara est né en 1980 au Japon. Après avoir obtenu son diplôme en 2003 à l'université japonaise Waseda, il entame une carrière qui va l'emmener aux quatre coins du monde. Dès 2004, il impose son regard sur la souffrance humaine, en Asie, en Afrique, en Amérique du Sud. Celle des réfugiés du Darfour, des drogués et de leurs dealers en Colombie, des jeunes Japonais qui se mutilent.
Les photographies de Kosuke Okahara sont abritées dans les collections publiques et privées du monde entier et ont été exposées dans de nombreux musées (Photoquai à Paris, Kunsthal Contemporary Art Museum à Rotterdam, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, musée d'Art asiatique de Fukuoka). Kosuke Okahara a été primé par le W. Eugène Smith Fellowship, le Prix Kodak de la Critique Photographique, le World Press Photo Joop Swart Masterclass. En 2014, il reçoit le prix Pierre et Alexandra Boulat.
Une équipe d'anciens de l'île de Ré (le CRICRI : Comité pour le recueil et l'inventaire des chansons rétaises introuvables) a entrepris une action de collectage des chansons rétaises traditionnelles.
Dans ce livre 30 chansons populaires rétaises sont rassemblées.
« Un hymne à la beauté, voilà ce qu'est pour moi la photographie. » Depuis de très nombreuses années, Matthieu Ricard se fait le témoin hors pair d'un monde en danger. Saisissant ce qu'il appelle des « moments magiques », il nous offre en images l'essence même du peuple himalayen (Népal, Tibet, Bhoutan), captant l'immensité des paysages sauvages, la joie et la dignité des habitants, la force et la dévotion des moines. L'oil toujours aux aguets, une danse masquée, la beauté d'un ciel ou d'un visage, la cavalcade de chevaux s'imposent avec évidence au photographe et lui donnent l'occasion de créer des images fugitives mais éternelles. Ce recueil débordant de vie et de couleurs est une offrande de lumière et de beauté à tous ceux qui poseront leurs yeux dessus.
Né en 1946, Matthieu Ricard est le fils du philosophe Jean-François Revel et de l'artiste peintre Yahne Le Toumelin. Il voyage en Inde pour la première fois en 1967, où il rencontre de remarquables maîtres spirituels tibétains. Après avoir complété sa thèse en génétique cellulaire, il décide de s'établir dans l'Himalaya où il devient moine et réside depuis près de trente ans. Il est l'interprète français du Dalaï-lama depuis 1989. Matthieu Ricard photographie depuis trente-cinq ans les maîtres spirituels, la vie dans les monastères, l'art et les paysages du Tibet, du Bhoutan et du Népal, il est également l'auteur de plusieurs livres de photographies dont, en français, L'Esprit du Tibet, Moines et danseurs du Tibet et Himalaya bouddhiste avec ses amis Danielle et Olivier Föllmi ou encore 108 Sourires. Ses photographies ont été exposées dans de nombreux musées et galeries du monde.
Matthieu Ricard consacre l'intégralité de ses droits d'auteurs à des projets humanitaires au Tibet, au Népal et en Inde.
De ses dessins animés surréalistes à ses ingénieux designs, jusqu'à ses lumineuses peintures à l'huile, Dave Cooper est un artiste qui intrigue et fascine depuis les années 1990 et ses premiers pas sur la scène artistique. The art of Dave Cooper est la première monographie tant attendue de ce Canadien visionnaire et multi-facettes, recueillant ses oeuvres picturales, illustrations, travaux d'animations, ainsi que certains de ses plus fameux comics. Présentant ses tous premiers travaux jusqu'à ses toiles les plus récentes, cette imposante compilation offre un portrait intime et surprenant de sa vie et de son oeuvre.
Avec un avant-propos de Tara McPherson, deux textes de Dave Cooper, ainsi qu'un long entretien de l'artiste avec Olivier Soullié.
Du haut de ses 324 mètres, la tour Eiffel est un symbole. Celui de Paris et de la France, bien sûr, mais aussi celui d'une modernité toujours renouvelée.
Depuis sa naissance, la tour Eiffel est un défi technique lancé à la face du monde. Une prouesse d'architecture et d'ingénierie qui a su, au fil des révolutions technologiques, culturelles et sociales, s'adapter et rester en phase avec son époque. Expression du génie industriel français lors de sa construction, elle concentre dans sa structure métallique, aujourd'hui encore, le meilleur de ce que la France a à offrir au monde.
La tour Eiffel, c'est aussi la Dame de fer, la Parisienne. Séductrice, apprêtée par les hommes et les femmes de la Tour, elle s'offre aux visiteurs et les conquiert depuis 130 ans. Universelle, elle rayonne à travers le Monde. Artistes et créateurs internationaux s'en emparent. Elle incarne des valeurs fortes de liberté et de paix.
Ce sont ces deux aspects, ces deux univers - technique et universel - qui articulent le l'ouvrage. Dans la forme, le livre est réversible et s'ouvrir des deux côtés afin d'exprimer, coté recto les coulisses du monument (les prouesses techniques) et coté verso, la scène, l'icône (le monument incarné). Le livre a donc deux angles, deux sens de lecture et deux couvertures qui rendent compte graphiquement de ces regards sur la Tour.
City Fashion Paris est le guide indispensable pour découvrir l'univers fascinant de la mode dans la métropole française.
Aux chapitres Amazing Fashion, Luxury Fashion et Accessories, une brève présentation est consacrée aux stylistes parisiens les plus en vue - des marques établies comme Isabel Marant et Maison Martin Margiela sont associées à leur nom, et surtout à de nombreuses étoiles montantes. Les créateurs nous présentent quelques-uns de leurs modèles et nous indiquent le nom des boutiques qui, à Paris, les commercialisent. Mieux encore : ils nous révèlent leurs adresses favorites dans cette ville. Leurs lieux de prédilection sont aussi bien des boutiques que des musées et des restaurants d'une grande originalité, des clubs que des bistrots branchés avec des canapés recouverts de peluche. Autant d'endroits hors du commun ! Toutes les bonnes adresses à connaître avec site Internet et localisation sur le plan de la ville sont indiquées dans le livre. Idéal pour faire du shopping à Paris et s'imprégner de son style de vie !
Le Musée d'Aquitaine a depuis quelques années une politique d'accueil du public très active. Sa fréquentation, en hausse constante, en fait l'un des sites touristiques les plus visités en Aquitaine.
Le Musée a commandé aux Éditions Sud Ouest un catalogue grand public, très illustré, à prix modéré, pour en présenter les moments forts.
Chaque période est illustré par quelques oeuvres majeures.
- la préhistoire (ex. la Vénus de Laussel), - l'Antiquité (l'Hercule de Bordeaux) - le Moyen Âge (la rosace), L'accent est mis sur les nouvelles salles des XVIIIe et XIXe siècles, à l'histoire de l'esclavagisme et du commerce colonial.
Ce catalogue, écrit par 6 conservateurs des 6 grandes périodes représentées dans le Musée, en présente les oeuvres majeures.
En créant les personnages-narrateurs du Vieux Poe et du Jeune Poe, Lou Reed rend un hommage à l'auteur des Histoires extraordinaires, dont on fête cette année le bicentenaire. En choisissant un tel guide, Lou Reed revisite l'oeuvre du grand conteur et poète américain (La Chute de la maison Usher, Le Corbeau " qui donne son titre au livre ", Ligeia ), et nous livre une interrogation sur lui-même, sur nous-mêmes. Qui sommes-nous ? Qui suis-je ?
Qu'est-ce qui me pousse à faire ce que je ne devrais pas ? Qu'est-ce qui attire irrésistiblement vers le « mauvais côté » ? D'où viennent les forces d'auto-destruction ? Et ce fatal désir pour ce qu'on ne peut avoir...Un texte en écho à Poe, mais aussi bien à William Burroughs ou Hubert Selby. Et à Lou Reed : on retrouve par exemple la chanson Perfect Day ...Lou Reed a écrit cet ensemble pour un spectacle de Bob Wilson, POE-Try, en 2003, et en a tiré un double CD, The Raven (Warner).Pour l'édition française, il a désiré, sur les conseils d'Art Spiegelman, que soit réalisé un album, avec des dessins (noir/blanc et couleur) de Lorenzo Mattotti, dont les planches viennent enrichir le texte et l'ouvrir vers un autre imaginaire aux étranges figures.En fin de volume figurera le texte original en anglais.Cette version française sera la référence pour toutes les éditions à venir. Lou Reed est auteur, compositeur, musicien et photographe. Après avoir créé le Velvet Underground, il s'est destiné à une carrière en solo.Lorenzo Mattotti est italien, né le 24 janvier 1954 à Brescia. Illustrateur, peintre, auteur de bande dessinée, il est aussi dessinateur de presse et affichiste. Son oeuvre est mondialement reconnue.
Lou Reed, décédé en octobre dernier, demeure aux yeux de tous l'incarnation même du rock new-yorkais. On retrouve dans cette anthologie exhaustive et inédite, publiée en deux tomes, les textes des chansons de toute une carrière : trente albums, de l'époque des Velvet Underground aux dernières années de la carrière solo de l'Ange noir du rock. L'occasion pour ses nombreux fans de redécouvrir Lou Reed à travers cette véritable oeuvre de poésie urbaine qui parcourt un demi-siècle.
Bien que célèbre par son nom, la Ferme Saint-Siméon, à Honfleur, demeure encore relativement mal connue. Cet ouvrage convie à un nouveau voyage dans l'histoire de cet établissement mythique, naviguant particulièrement entre les deux rôles qu'il joua au cours du XIXe siècle, celui de refuge normand de la peinture de paysage et celui d'extension littorale du foyer littéraire de la capitale. De Corot à Monet et de Courbet à Boudin, de Sapeck à Champsaur et d'Allais à Proust, une riche iconographie, en partie inédite, ainsi que des sources littéraires permettent en effet aujourd'hui de conter, des années 1825-1830 à l'aube du XXe siècle, l'histoire de cette célèbre auberge tenue par la fameuse Mère Toutain.
Des oeuvres témoignant de cette forte présence artistique sont aujourd'hui présentées sur les murs de la Ferme Saint-Siméon.
Moscou, Shanghai, Pékin, Canton et demain le palais de Tokyo, "Culture Chanel" décline à chaque exposition l'excellence d'une image, celle de Gabrielle Chanel, une créativité hors du commun, une élégance et un savoir-faire incontournables. Au palais de Tokyo, le 5 mai (5/05), va s'ouvrir le 5e volet de la série Culture Chanel consacrée au N°5.
Jean-Louis Froment, commissaire des précédentes expositions, décrypte le monde du N°5 en rendant visibles, à travers l'exposition et le livre, les liens qui rattachent ce parfum à son époque et aux courants de l'avant-garde. OEuvres d'art, photographies, archives révèlent l'essence artistique, intemporel et iconique de ce parfum.
C'est Ernest Beaux qui, après avoir servi à la cour des tsars avant de s'exiler en France chassé par la révolution, a imaginé un parfum pour Gabrielle Chanel. Ce parfum, à la nouveauté radicale, en fait une création qui échappe au temps, un parfum d'éternité.
L'exposition du palais de Tokyo raconte cette histoire et en fait revivre toute sa magie. Elle commence par un jardin conçu par Piet Oudolf, ce jardin qui est une évocation poétique du N°5. Le visiteur en traversant le jardin sera conduit vers l'exposition, et ce jardin sera visible pendant toute l'année 2013.
Texte français et anglais
Couleur de feu, référence au diable, la rousseur avait au Moyen Âge une connotation maléfique : considérés comme des sorciers, les Roux étaient souvent persécutés, parfois brûlés. Aujourd'hui encore, attirante, mystérieuse, inquiétante, la rousseur ne laisse jamais indifférent. Elle est source de malaise ou de surpassement mais inévitablement elle forge le caractère de ceux qui la portent.Sensible à l'histoire de cette minorité et à sa différence, Geneviève Boutry photographie depuis vingt ans les Roux et les Rousses. Accompagné de réflexions sur la rousseur et des témoignages de ses modèles son troublant travail photographique apporte une nouvelle lumière sur la rousseur en se rapprochant des êtres et de leur intimité.
Whether it referred to fire or the devil, red hair always had an evil connotation during the Middle Ages: redheads were considered as sorcerers or witches, often persecuted and even sometimes burned. Today, red hair is attractive, mysterious, yet still troubling and never leaves anyone indifferent. For those who have this hair colour, it is either a source of hardship or a reason to surpass themselves but, no matter what, it shapes their character.
As a gesture of sympathy for the history attached to this minority and its difference, Geneviève Boutry has been photographing redheads for twenty years. Her troubling work is now enriched with reflections on the subject as well as testimonies by her models, which casts a new light on red hair by getting closer to those living with it.
